13. Dezember 1997

Festival München TU-Mensa Arcisstraße 17
Samstagnacht 20 - 2 Uhr

Richard Lerman, Phoenix Arizona USA
Dan Evans Farkas, Montclair New Jersey USA
Phoebe Neville / Philip Corner, New York City/Reggio nell Emilia
Luca Miti / Francesco Michi, Roma/Firenze
Rolf Langebartels / Alexandra Haupt, Berlin/München
Peter Behrendsen / Waldo Riedl, Köln/Dortmund
Hans Essel / Hans Leo Rohleder, Darmstadt
René Bastian, Wissembourg
Louise Ingebos / Edith Rom / Stephan Wunderlich, Liège/München
Das PHREN-Ensemble München

veranstaltet vom Verein für experimentelle Musik e.V.
Zusammenarbeit: Kulturreferat LHM

Programm: 1 ca. 20.15 Uhr: Das PHREN-Ensemble ANALYTISCHE QUARTETTE auf tiefen präparierten Instrumenten Inge Salcher - Cello alto, George Augusta - Bassetto, Michael Steimer - Tenorhorn, Michael Kopfermann - Helikon 2 ca. 20.50 Uhr: PH2 = philip&phoebe Corner-Neville TWO IN THAILAND duet for a handheld gong and a pair of small cymbals 3 ca. 21.20 Uhr: Dan Evans Farkas TOYLAND 4 ca. 21.55 Uhr: René Bastian OHNE TITEL ...eine Art Hommage an den Schrifsteller Raymond Queneau... 5 ca. 22.20 Uhr: Hans Essel / Hans-Leo Rohleder STRIPES für Bandmaschinen und Videomischpult 6 ca. 22.50 Uhr: Luca Miti / Francesco Michi GIOCATTOLI 7 ca. 23.15 Uhr: Rolf Langebartels / Alexandra Haupt PAAR Performance von Rolf Langebartels 8 ca. 23.45 Uhr: Peter Behrendsen / Waldo Riedl HÖRBALLSPIEL Stück für Ultraschallsensoren, Wasserbälle, RC-Autos, Computer, Synthesizer und Elektronik 9 ca. 0.15 Uhr: Richard Lerman 8 PIECES FROM THE SONORAN DESERT (1997) for video and performer 10 ca. 0.45 Uhr: Louise Ingebos / Edith Rom / Stephan Wunderlich STEHEN / SINGEN / SINNEN Ende ca. 1.10 Uhr 

Richard Lerman

for Video, computer & performer

1.  Sonoran Desert Ants 
2.  A Compass Cactus in the Rain
3.  Bees & an Ironwood Tree               
4.  A Burned Saguaro and Snakeskin Microphone
5.  An Ocotillo and a Hummingbird  
6.  Small Red Weeds
7.  Monsoon, NW Phoenix, Aug, 1996      
8.  Digger Wasps at White Tank Mountain
I received a grant in 1995 from the Institute for Studies in the Arts at Arizona State Univ. to record in the Sonoran Desert in Phoenix and environs over the course of one year. I was interested in the sonic possibilities, and in exploring the interplay between very highly amplified sounds and different visual perspectives. Having moved to Phoenix in 1994, this was also a way to learn about the new landscape and soundscape.

The electronics are used in the performance of the video pieces to extract pitch information from the existing audio tracks of the video. This is converted to MIDI Information which in turn controls the output of a synthesizer. The software used in tonight's performance was written by Composer Larry Polanksy and was first used by he and I in a collaborative performance in Phoenix in April 1996. It allows for the performer to rapidly access the many parameters in the synthesizer. We have worked together this past month to modify the software for use on a laptop computer. I am interested in the musicality of the original material, and how it relates to the sonic possibilities of the extended electronics.

Richard Lerman, works in Music, Video, Film, Installations, and Performance He often constructs functional microphones from diverse materials, and then composes using these transducers to amplify and pick-up sounds of the environment. This allows the sonic flavor of each material to be heard. Recent works combine sounds from his self-built microphones with computer and MIDI techniques. For a recent project, a sonic mapping of the sonoran desert, he has recorded the sounds of ants, bees, wasps, cactus thorns, weeds and rocks in the desert areas surrounding Phoenix, Arizona. One version, 8 Pieces from the Sonoran Desert is presented as a 26 minute video performance with computer and pitch to midi interface, which he will present in Europe later this year.

Travelon Gamelon for amplified bicycles, has been performed in many cities in the US, Europe, New Zealand, 300 times at EXPO 86 and at the 1994 Hong Kong Fringe Festival. The mobile Promenade Version, is scored for 25 bicycles with riders. Small loudspeakers attached to the handlebars amplify pitch in the spokes as the ensemble rides through the streets. A stationary Concert version for 3 upside-down bicycles and 6 performers transforms the bicycles into rhythmic and melodic instruments found in a S.E. Asian Gamelan Orchestra.

Incident at 3 Mile Island for performers, amplified tuning forks and laser light uses visual and sonic images to contrast the difficulties of control and the seductiveness of technology. Changing States uses self-built transducers made of different metals. As these are heated with a small blowtorch, expansion, contraction, and the metals' changing states are heard. A more recent version of this piece incorporated percussion and was premiered with Rich O'Donnell of the St. Louis Symphony in Feb. 1997. Music for Plinky & Straw for small amplified instruments uses straws cut with scissors to create sounds like an organ pipe and plucked string.

His piece, A Matter of Scale was performed inside the Astrodome at the 1986 NEW MUSIC AMERICA Festival in Houston. He performed at sound symposium in Newfoundland and toured New Zealand, Australia & Bali later that year. The Pacific Transducer Series audio and film pieces were produced during this time. 1987 tours of Belgium, Holland and Germany included the premier of his installation A FOOTNOTE FROM CHERNOBYL at the Contemporary Museum in Bremen and at the ECHO II Festival in Eindhoven.

After visiting Santiago, Chile in June, 1989 he and Mona Higuchi completed Los Desaparecidos, an installation with sound and video about the Disappeared, for the Amnesty International General Conference in Chicago in June, and then at a private gallery in Tokyo later that year. They have also collaborated on the performance/installation, Cold Storage at the 1994 Fringe Festival in Hong Kong and on and Threading history: the Japanese American Experience, an installation weaving together the stories of Japanese Americans interned in the US during WW2, which has been exhibited in Arizona, Connecticut and Massachusetts in 1994 & 1995. Other collaborations include Takuhon, an installation with dance presented in Tokyo in 1991 and the installation Kristallnacht at the Klanken aan de Dijk Festival in Neerijnen, the Netherlands in 1991 and at Gallery Kästrich in Mainz, in October, 1993. Most recently they installed TRACES at the Scottsdale Center for the Arts which ran from May 2 - August 24, 1997 and Kristallnacht at the Judah Magnes Jewish Museum in Berkeley, which is running from November 9, 1997 - January 25, 1998.

He directed Sound Art at Mobius, a 2 year series commissioning the work of 13 international sound artists from 1984-86 and also the Sound Art Festival at Mobius, with 18 sound artists collaborating in 10 events in June 1987. He has received Fellowships in New Genres from the Mass. Artist's Foundation and the NEA. He was awarded a GUGGENHEIM Fellowship in Sound Art for 1987-88, and traveled to Argentina and Peru to film and record South America Transducer Series. In 1989, he was the recipient of a grant from the Asian Cultural Council for a five month residency in Tokyo. A solo CD, Within Earreach: sonic journeys is on the Artifact label.

Richard Lerman was born in 1944 in San Francisco and lives in Phoenix, Arizona. He has worked in electronic music since 1963 and taught performance art, filmmaking and sound art at the Boston Museum School from 1973-1994. He is now a Professor of Media Arts at Arizona State University-West. He has also screened his films and video tapes at numerous media centers including Pacific Film Archives, Millenium Film Studies, The London Film Co-op, Grierson State Cinema (Melbourne), Image Forum (Tokyo), and in1997 at the Museum of Modern Art in NYC as part of their super 8 film series. He has conducted many workshops on his techniques of constructing microphones and transducers.

Richard Lerman
Media and Digital Arts
Interdisciplinary Arts & Performance
Arizona State University  West  --  3051
PO Box 37100
Phoenix, AZ  85069

(602) 543-6036    fax  543-6004

Link to an Article in the ASU Reserach Magazine:

Link to the Frog Peak Composer's Collective:
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Dan Evans Farkas


"... letztlich beseelt mich das selbe Verlangen wie Frankenstein, angesichts der unzähligen toten Einzelteile des Monsters. Während ich die Elektronikteile miteinander verkabele, suche ich nach einem Sound, der die Seele erbeben und ausrufen läßt: Es lebt! ES LEBT.
Ist dann das Monster erst freigelassen, betrachte ich es selbstverständlich als meine Aufgabe, dafür zu sorgen, daß es nicht allzusehr Amok läuft."

"Der New Yorker Dan Evans Farkas arbeitet mit lichtgesteuerter, analoger und digitaler Live-Elektronik.
Unterschwellig angelehnt an die große Tradition des amerikanischen jüdischen Entertainments & der Music-Comedy, verbinden seine audiovisuellen Performances furioses Chaos mit exaktem Kalkül und setzen sich damit spielend über jegliche Kategorisierungsversuche hinweg. Im Prinzip bemüht sich Farkas, in möglichst kurzer Zeit die Kontrolle über seine Apparaturen zu verlieren und ihnen somit zu einem Eigenleben zu verhelfen." (Jens Brand)

Artist's statement:
Evans Farkasí work celebrates his exploration of the beauty of low-tech electronics. The sounds, electronic in nature and void of narrative content, contain an emotional appeal that comes from their absolute lack of precision. The indeterminate element lies in the limits and the inadequacies of the circuitry. Just as the impurity introduced into the oyster makes the pearl, the imprecision and mismatch of the cheap processors adds a natural and human beauty or complexity. The feedback systems employed form a continuous sound sculpting -- a plasticity of sound that is squeezed, pushed, pulled and chopped away at and then gone.

Evans Farkas has been an installed fixture in the new music community around New York City since 1987. Hereabouts, heís performed at such obscure venues as: Experimental Intermedia, Roulette Intermedium, Amica Bunker, The Kitchen, The Knot Room and The Alterknit Theater at The Knitting Factory, The Staten Island Electronic Music Festival, Greenwich House Music School, Jack Tilton Gallery and The (old) Victory Theater. His work has also been spotted abroad in Ghent, Eindhoven, Dortmund, Köln, Dusseldorf, Münster and Jack Tilton's Summer Home in Sagaponeck, Long Island, NY. He lives in Montclair, New Jersey.

link: http://members.aol.com/dfarkas/index.html
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PH 2 = philip&phoebe Corner-Neville


this is a concentrated, one might say `minimalistic' duet for a handheld gong and a pair of small cymbals. The two performers circle each other in a sun/moon-like opposition, which draws them eventually together. The music is constantly present as a continuum subject to subtle variations.

PHILIP CORNER (b New York, 10. April 1933). Composer. He studied with Mark Brunswick at the City College of New York (BA 1955) and then attendet the Paris Conservatoire 1956-7), where he came under the influence of Messiaen; at Columbia University (MA 1959) he was a pupil of Luening and Cowell. He became deeply interested in Eastern music while in Korea with the US Army in 1959-60, and after returning to New York was an early member of several important experimental groups, including Fluxus, the Judson Dance Theater, and Tone Roads. In 1974 he founded Sounds Out of Silent Spaces, which was heard regularly at the Experimental Intermedia Foundation, New York. Corner has been closely associated with Son of Lion, an American gamelan ensemble; "Gamelan" (1975) was commissioned by this group. Corner has collaborated frequently with choreographers, among them Lucinda Childs and Elaine Summers, and with several theater groups in the USA and in Europe. From 1972 he has been a faculty member at Rutgers University, where he introduced a new approach to music theory instruction that embraces concepts common to diverse cultures. He has also taught in New York at the New Lincoln School and the New School for Social Research. He has received grants from the NEA and the New York State Council on the Arts, and in 1983 was awarded a residency grant for West Berlin by the Deutscher Akademischer Austauschdienst.
Corner regards influences from Asian and other non-Western cultures as an essential aspect of modernism; as a young composer he had found that the concerns of certain contemporary American composers (Cage in particular) with timbre, microtones, and individual sound characteristics were also present in Asian music. One aspect of his affinity with Eastern thought, an interest in meditation, led him to explore the extent to which musical materials can be simplified, the extreme result of which was "Elementals" (1976), while other works written during the 1970s (the "OM" series, "Metal Meditations", "Pulse") also reflect this inclination. An important aspect of Corner's compositional technique is the integration of methodical and improvisational procedures, as applied to traditional instruments and natural objects. His innovative graphic notation has a particularly calligraphic quality, and his scores are to be appreciated visually as much as aurally (Corner uses the Korean pseudonym Gwan Pok - "Contemplating Waterfall" - in the oriental manner as a seal that is affixed to his scores). The numerical implications of Indonesian gamelan music have inspired him to create a "gamalan" series, beginning with "Gamelan", of works in open form designed to be realized on many different kinds of instruments, some containing theatrical and vocal elements. Although for Corner, "gamelan" signifies an open-ended approach to music making available to Western as well as Eastern ensembles and solo performers, the works in the "gamelan" series include the possibility of being performed by a true gamelan.
One of the first to assimilate the influence of Cage, and pioneering minimalist as well, Corner has integrated chance systematic procedures, noise with silence and expression, repetition and improvisation into a coherent body of composition that clearly reflects his ongoing creative encounter with East musical traditions. Several of his works have been recorded.
(Margeret Leng in Grove's)

PHOEBE NEVILLE has been called "a supremely original artist whose explorations since the 60's follow no fashion" by Anna Kisselgoff of the New York Times. Her work, both solo and for her company, formed in 1975, has been performed in major cities in the United States and in Berlin. Since 1991 she has collaborated with Philip Corner, apearing with him in New York City, Italy and Germany, and most recently in Thailand, Indonesia and Australia.
Ms. Neville has received several Choreographic Fellowships from the National Endowment for the Arts, including a special three year one in 1985 and a two year one in 1992. She has taught in NYU School of the Arts, Bennington College, Teachers College Columbia University, and UCLA. She is also a Certified Teacher of Body-Mind Centering, the work of Bonnie Bainbridge Cohen, teaching in the Certification Programs in Amherst and Amsterdam, plus her own series, MOVING from the INSIDE, which gives dancers an opportunity to explore the work through movement.

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Luca Miti / Francesco Michi

About our project
for Munich Festival December 13, 1997

"This project is based on some processes. The first one is that of the utilization of technologies at a low level. In other words, here the technologies could be of two kinds: high or low ("professional" or "familiar"); in the first case, used at a minimum level, in the second, at highest level possible. During the compositional process (made by a "familiar" technology, the fax!), we decided to utilize the second kind of technologies: low ("familiar", available to all), used at highest level possible (like professional). In transparency, we used another process, that of the users - the compositional process, the space-time process (tracks fixed are still in movement through these technologies) - relative to the movements in the space and in the time of the users of these technologies. What else could we say? We are still into this process."

LUCA MITI was born in Rome in 1957 but he originates from the Marches region. He studied piano jazz with Patrizia Scascitelli and Nino De Rose, experimental voice with Michiko Hirayama and baroque flute after the Hotteterre's method (1699). In july, 1996 he participated to a seminary held by Tom Johnson. In 1980 he started his activity as composer and performer of contemporary music.
His works of these last years conducted him to a research on/into/about the sond intended in its inner essence and in its relationships with the external. His performer activity is largely based on authors from John Cage to our days: Fluxus, acoustic ecology, ethic aspects of the sound. He collaborated with Alvin Curran. Albert Mayr and Pauline Oliveros dedicated compositions to him.
In these years he founded, with the composers Roberto Barbanti and Letizia Bolognesi, the "Electronikaruna", a totally free record label. He recorded several CD, LP and audiotapes.

FRANCESCO MICHI: please visit his homepage

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Paar ist eine Performance für zwei Spieler und hat eine Dauer von circa dreißig Minuten. Die Performance ist eine Form von automatischem Theater mit Gegenständen, die im Raum bewegt werden.

 In Augenhöhe sind zwei dünne Stahlseile in einem Abstand von einem halben Meter gespannt. An jedem dieser Stahlseile fährt ein kleiner Wagen, an den die Spieler im Verlauf der Performance verschiedene Gegenstände anhängen und durch den Raum fahren lassen.

 Die Wagen werden von kleinen Elektromotoren und Zugschnüren angetrieben. An zwei Fahrpulten können die Spieler Geschwindigkeit und Fahrtrichtung steuern, aber auch die Charakteristik der Bewegung festlegen. Ein Gegenstand kann schnell, langsam, pendelnd, ruhig, schwankend, eilend oder anders durch den Raum fahren.

 Für jede Aufführung entwickeln die Spieler eine Choreographie für die Paare von benutzten Gegenständen und für den Ablauf der Bewegungen dieser Gegenstände. In den bisherigen Aufführungen haben die Spieler manchmal eine feste Folge für die Performance mit allen Einzelheiten vorher notiert, manchmal haben sie aber auch ohne vorherige Absprache mit Gegenständen aus einem mitgebrachten Fundus improvisiert und jeweils auf die Vorgaben des anderen Spielers reagiert. Koinzidenzen und Akzidenzen können sich ergeben, wenn sich die Gegenstände im Raum begegnen.


Auf der folgenden Seite

ist eine Begegnung von Gegenständen aus den bisherigen Aufführungen abgebildet:


- zwei Photos treffen aufeinander und fahren asynchron durch den Raum,

- zwei Augen gleiten in gleichbleibendem Abstand dahin,
- vor dem Bild eines Auges schwankt ein starkes Messer,
- zwei rote Socken tanzen schwankend durch die Luft.

Der Tagesspiegel, Berlin, 22.12.1991:

... Schon seit 1985 arbeitet Rolf Langebartels an seinem Projekt Seilbahnmusik. Die Klanginstallationen, Performances und Konzerte wurden von ihm mehrfach erweitert und sind auf Grund ihrer Variabilität je nach Auff uuml;hrungsort neu kombinierbar. Mit Präzision setzt er elektronische Effekte und Bildprojektionen als Instrumente seiner Untersuchung von Raum, Bewegung und Klang ein. Dieser "bricoleur" ist in seinem weißen Monteuranzug fast die Verkörperung seines Mottos:

Let it roll


Rolf Langebartels, geboren 1941 in Mirow/Mecklenburg, lebt in Berlin. Seit 1978 sind seine Arbeiten in zahlreichen Gruppenausstellungen und Einzelausstellungen gezeigt worden. Seine Performances und Konzerte in dem Bereich der Audio Art oder elektroakustischen Musik wurden in Deutschland und anderen europäischen Ländern auf vielen Festivals präsentiert.

Neben seinen photographischen Arbeiten befaßt sich Rolf Langebartels vor allem mit plastischen Arbeiten wie Installationen und Gleichgewichtsskulpturen. In den letzten Jahren konzentriert sich sein Interesse auf plastische Arbeiten mit Klang: Tischkonzert mit Personal Computer, Klanginstallationen und Konzerte raumbezogener Musik auf der Basis von elektroakustischem Feedback (Seilbahnmusik).

Ein zentrales Thema seiner Arbeit ist, Prinzipien der musikalischen Komposition in die Plastik zu übertragen. Gegenwärtig arbeitet er an Installationen mit Licht, Klang und kinetischen Skulpturen. Diese skulpturalen Elemente werden nach Sequenzen oder oft auch nach einem zufälligen Zeitmuster automatisch gesteuert.

 Rolf Langebartels gründete 1978 die Galerie Giannozzo in Berlin als Non-Profit-Galerie. 1986 wurde diese Galerie in den Kunstverein Giannozzo umgewandelt, dessen Geschäftsführer und künstlerischer Leiter er seitdem ist. Rolf Langebartels ist aktiv tätig als Kurator und Veranstalter von Ausstellungen und Festivals im Bereich der Klang- und Performancekunst. Weiter organisiert er Symposien zu theoretischen Aspekten aktueller Kunst und Musik, z.B. das Symposium Feedback, Das Phänomen der Rückkopplung in Wissenschaft und Kunst, das 1994 in Kloster Plasy, Pilsen, Tschechien stattfand.

Zur Theorie von künstlerischen Arbeiten mit Klang und zu den Grundlagen der Klangkunst oder Sound Art liegt der folgende Text von Rolf Langebartels vor:

Plastische Arbeiten mit Klang und ein anderes Musikhören
publiziert in: Klanginstallationen, Katalog, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen 1987
publiziert in: Zeitschrift Tumult, Redaktion Maria Anna Potocka, No. 12, Krakow, Polen 1996 (polnisch)
Die folgende Liste nennt einige ausgewählte Aktivitäten von Rolf Langebartels aus den letzten sechs Jahren:


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Peter Behrendsen / Waldo Riedl


Stück für Ultraschallsensoren, Wasserbälle, RC-Autos, Computer, Synthesizer und Elektronik

4 Ultraschallsensoren erfassen Bewegungen von großen, ruhrgebietsspezifischen Wasserbällen, die u. a. von Hand und durch funkferngesteuerte Spielzeugautos gekickt werden. Die gemessenen Werte werden per Computer in einfache Oszillator-Klangstrukturen umgewandelt, die live mit deren eigenen, per Sampling und weiterer elektronischer Bearbeitung erzeugten Modulationen gemischt werden.

Jede Aktion, jede Ballkonfiguration hat ihre eigene Klangsprache. Scheinbar sinnlose Ballspiele finden ihre Entsprechung in komplexen Hörbildern, wobei die Sounds zwischen Hardcore und Hörgrenze rangieren können.

Peter Behrendsen. Hörfunk-Regisseur und -autor, langjährige Mitarbeit beim Studio Akustische Kunst (WDR); Komponist/Performer (elektro-akustische sowie Text-Sound-Stücke); Organisator und Realisator akustischer Projekte.

Waldo Riedl geb. 1965 in Ebern/Unterfranken, lebt seit 1986 in Dortmund Klangkunst, experimentelle Musik, Kultur- und Raumwissenschaft, Kulturmanagement 1992 Gründung von MeX - experimentelle und intermediale Musikprojekte e.V. 1986-92 Studium Raumplanung an der Universität Dortmund
Konzerte/Performances (Auswahl): 1995 "Well- & Unshaved Duos", mit Jens Brand: Experimental Intermedia Foundation, New York City, iEar-Studios, Troy (NY) - Het Apollohuis Eindhoven (NL); Evenings of New Music, Bratislava (SZ); Trio Peter Behrendsen/Jens Brand/Waldo Riedl, loft, Köln - MeX-Ensemble, Stadtgarten, Köln - HumaNoise Congress # 7", Wiesbaden - Hermit III, Festival, Plasy (CZ); CIEF-Festival, Kopenhagen (DK); "lenTo - Eigenzeit", MeX-Klangkunstfestival mit Symposion zum Thema "Langsamkeit/Eigenzeit", Dortmund/Essen/Münster - "Düsseldorf Intermedia Festival", mit Kay Nishikawa & Jens Brand 1996 "Berufsgruppentrio": Kunstakademie/Theater Popular, Rotterdam (NL); Live bei TM3 (TV); "MeX Ampere", Festival elektroakustische Musik & Performance, Dortmund (Ltg.) - Ausstellung: "Sarahs Garten - Israels Haus": Kunsthaus, Essen -International Cité d'Arts, Paris; Kunstakademie, Münster - "MiniFan-Musik": TU, Berlin - "limbo", Tanzperformance-Projekt mit Suzanne Miller (Montreal), Anke Schulte Steinberg & Jens Brand, in Köln/Solingen/Münster/Dortmund 1997 - "Heimatabend", Telefonkonzert, Produzentengalerie, Kassel - Castle of Imagination, Performance-Festival, Bytów (P) - Transart Communication Festival, Nove Zámky (SZ) - C3, Sorows Foundation, Budapest (HU) - Galery QQ, Kraków (P) - "Klavierumrauminstallation", Klangart-Festival 97, Osnabrück, mit Jens Brand + Michael Vorfeld

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(Hans Essel: Bandmaschinen, Hans-Leo Rohleder: Videomischpult)

Die Videosignale eines Videomischpults werden als Eingang für 
zwei gekoppelte Tonbandmaschinen verwendet. 
Diese Bandmaschinen bilden zwei Schleifen, in denen das Material 
live bearbeitet werden kann (Zeitfalten).

Die so erzeugten Klänge aus dem Speicher werden wieder
in den Videoeingang des Videomischpults geleitet und mit
einer Videorückkopplung live zu Bildern verarbeitet.

Das System besteht also aus einer Bild-, einer Ton, und einer

Das Videobild wird auf eine Leinwand projiziert.

Durch die Rückkopplung Ton-Ton-Bild-Bild-Ton
kann das Ton- und Bildmaterial in Ort und Zeit erzeugt werden.
Die Spieler spielen es sich zu. STRIPES ist die letzte Reduktion
aus einer Serie von Video-Zeitfalten-Projekten von Rohleder und Essel.

Hans Essel: Jahrgang 48, Physiker.
1960: Klassische Violine.
1982: Improvisationen mit Bratsche und Bandmaschinen.
1982: Gründung der Improvisationsgruppe SAHA in Heidelberg.
      (Horn, Bratsche, Schlagwerk, Bandmaschinen)
1985: Gründung der Improvisationsgruppe ARGO in Darmstadt.
      (Geige, Bratsche, Klarinette)
1988: Zeitfalten (Bandmaschinen)
1992: Gründung des Vereins für experimentelle Musik Darmstadt e.V..
1993: Projekte mit H.L.Rohleder (Video und Zeitfalten)
1994: Saitensack für Violine solo.
Aufführungen in Darmstadt, Wiesbaden, Koblenz, Frankfurt und München.
Hans-Leo Rohleder Geboren am 30.11.1940 in Darmstadt. Verschiedene Materialien und Techniken, Malerei, Aschebilder, Performance, Sprache, Ideen, Vergänglichkeit 1988 Globalisierung meiner Asche, Zypern 1990 Briefkasten, Kulturcafé, Darmstadt "Chronische Abneigung gegen Preise aller 'Art', vor allem Preiserhöhungen." H.-L Rohleder: Kunst und Wahnsinn, Kunstinitiative Darmstadt e.V., Darmstadt 1985 "Für Jacky Rohleder beruht die vermeindliche Überlegenheit sogenannter dauerhafter Medien, auf die sich die Bildenden Künstler 500 Jahre lang berufen haben, ohnehin auf einem Irrtum. Nichts ist von Bestand oder alles. (...) Seine Auseinandersetzung mit der Vergänglichkeit liefert ihm den Stoff, den er formt. Da geht es nicht in erster Linie um Farben oder Formen, auch nicht um Sprache, gesprochen oder geschrieben, sondern um das Verschwinden, das Vergehen von Farben, Formen und Worten." Wolf Spemann, 1990
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René Bastian

Das für den Moment unbetitelte Stück ist eine Art Hommage an den Schrifsteller Raymond Queneau. In dessen Roman "Saint Glin Glin" ist das Kapitel "Les ruraux" eine (ironische) Verunglimpfung der ländlichen Welt : das ewige Grün und Grünsein geht ihm auf die Nerven und er stellt ihr die Kultur und die "Urbanität" der Stadt entgegen. Diese Antinomie von Stadt und Land entspricht der Gegenüberstellung der wildwachsenden ausser-institutionellen Musik (z.B. musique concrète und experimentelle Musik ) und der gepflegten etablierten Musik (z.B. traditionelle Orchester- und KammerMusik, etablierte TechnologieMusik die man in einem IRCAM oder oder einem ZKM componiert). Das Stück ist eine Version für Band und kleine Blasinstrumente. Es kann auch direkt aufgeführt werden (drei Bläser und ein Percussionist).
Es folgen "Einige Minuten aus dem Leben des Wilhelm Tell nach Motiven von
Gioacchino Antonio Rossini".

René Bastian : elektronische Musik (direkt oder mit Band), InstrumentalMusik, FilmMusik, BühnenMusik, RadioMusik, Konzepte, Artikel, usw. (Katalog : 4 Seiten in TeX/Latex) In den letzten Jahren, theoretische Arbeiten (Grammatik).

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Louise Ingebos / Edith Rom / Stephan Wunderlich


im stehen singen
im singen stehen
stehen wechseln
singen wechseln

im stehen singen
im singen stehen
stehen wechseln
singen wechseln

im stehen nicht singen
im nicht singen stehen
stehen wechseln
nicht singen wechseln

im stehen singen
im singen stehen
stehen wechseln
singen wechseln

Louise Ingebos, belgische Komponistin, bis 1997 Professorin am königlichen
Konservatorium in Liège und Direktorin der Musikschule in Waremme.

Edith Rom, Schauspielerin und Mitglied im Ensemble für experimentelle Musik

Stephan Wunderlich, Komponist und Aufführender experimenteller Musik
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Der Gebrauch von Instrumenten bzw. präparierten Instrumenten entspricht (und leitet sich ab von) konzeptionellen Vorstellungen, für die die Art von Tonauffassung grundlegend ist. Instrumente gebrauchen enthält die Chance: Töne können variabel und beweglich ausgeholt werden, um insbesondere auch durch den Tonhöhenraum hindurch, und in dynamischer, gestischer, und rhythmischer Artikulation sich auszuspannen und zu beziehen. Wurde die Präparierung der Streichinstumente vorgenommen im Sinne einer konzeptionellen Vorstellung von "qualitativer Eigenspannung der (zu spielenden) Töne", so bedingt die hierbei implizierte Tonauffassung (die eine dem Geräusch angenäherte Materialität miteinschließt), Erfahrungen für musikalischen Zusammenhang in einem erweiterten Hörerfahrungsraum entwickeln zu müssen und insbesondere auf die Sicherheit präkonzipierter Tonsystematik (wohltemperiertes, oder z.B. auch Vierteltonsystem) nicht zurückgreifen zu können. Sowohl in Bezug auf Instrumente, wie auf die Hörerfahrung wäre vom spekulativen Status einer experimentellen Offenheit auszugehen, die wiederum im Verhältnis stünde zu den im Entwicklungsaufbau erreichten Bindungs- und Kompositionsweisen. - Bevor es nicht um Musik geht, kann es eigentlich nicht um instrumentale Virtuosität oder um kompsositorisches Metier gehen.

Michael Kopfermann, März 1986

"In der Extremalisierung der Artikulation von Ton zeichnen sich Chancen und Bedingungen für eine Herauspräparierung "freier", d.h. nicht in präkonzipierten Vorgaben bestimmter Mikrointervallik ab.
Extremalisierung der Artikulation von Ton: "qualitative Eigenspannung der (zu spielenden) Töne" nicht so sehr allein auf die Höhe von Ton (vertikal), vielmehr eigens auch auf die Länge von Ton (horizontal) zu beziehen - bedingt umfangreiche Studien von Artikulation und ihren für das Verfahren auszubildenden Eigenschaften. Hierbei kommt in Betracht: ob oder wie auch "Volumen" eigens eine Eigenschaft von Ton sei -
Die Herauspräparierung "feier Mikrointervallik", verbunden mit dadurch entstehender Charakteristik wie von gesteigerter Dissonanz, wäre zurückzuführen auf eine charakteristisch "verschärfte" Proportionalität im Harmonischen (in der Harmonie).
Eine solche Verschärfung wird möglich in der Extremalisierung der Artikulation der Töne, etwa derart daß, z.B. bei ineinanderkreuzenden Tongebilden, die "Dissonanz"-Möglichkeiten bereits durch die jeweiligen Binnenbewegungen (innere Dynamik bei den Tönen) eröffnet werden; man könnte von artikulativer Dissonanz sprechen".

Michael Kopfermann, Begleittext zur CD Quartettstücke November 1992 der Musik des PHREN-Ensembles, PHV 9401 (Nagel-Berninger, Salcher, Augusta, Kopfermann), Februar 1994.

PHREN-Verlag München, Nymphenburgerstraße 121, 80636 München,
Tel: 089 / 18 62 83

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